El inicio: Disney descubre la fórmula
El secreto del triunfo de Disney radica en su habilidad para elegir historias intemporales y que, por tanto, fuesen conocidas de antemano y pudiesen ser gozadas por cada nueva generación de espectadores. 
La fórmula se creó con Blancanieves y los Siete Enanitos (1937). Los críticos , que habían dudado de la viabilidad de esta "locura de Disney", se vieron obligados a reconocer que su versión de esta conocida historia, llena de música, humor, romanticismo, suspense y algo de terror estaba conseguida y respondía a las expectativas creadas, aunque hubiese sido a costa de 1.700.000 dólares, una cifra muy elevada en aquella época. Eso permitió que en 1938 Disney iniciase varios proyectos, de los cuales el primero en completarse fue Pinocho (1940). Blancanieves y los Siete Enanitos fue el mayor triunfo personal de Disney, pero Pinocho sigue siendo su mejor película. Con un presupuesto de u$s 2.500.000, la película es una obra maestra del cine de animación, con consecuencias tan asombrosas como la presentación del pueblo de Gepetto a la luz de las estrellas, las escenas submarinas o las de la caza de la ballena. La riqueza pictórica de Pinocho, los imaginativos ángulos de cámara y su espléndido ritmo se vieron complementados por magníficas caracterizaciones. Entre su excelente partitura musical se destaca "When You Wish Upon a Star", canción ganadora del Oscar, cantada por Pepito Grillo, cuyo moralista papel como "conciencia oficial" de Pinocho ayuda a evitar el exceso de sentimentalismo. Esta canción se convirtió en la piedra de toque de toda la filosofía cinematográfica de Disney.
Y llega más Fantasía, pero no todo son rosas:
En 1940 se estrenó también Fantasía, una película posible gracias a los avances y habilidades adquiridas durante la realización de las anteriores, pero que desconcertó al público preparado únicamente para los cuentos de hadas. Fantasía nació de la búsqueda de Disney de un vehículo estelar para Mickey Mouse. Eligió "El aprendiz de brujo" como pretexto para una pantomima musical, y, en 1938, Disney invitó al director Leopold Stokowski a grabar la música. Su colaboración dio lugar a la idea de Fantasía, que terminó convirtiéndose en una película basada en la escenificación de fragmentos famosos de música clásica mediante dibujos animados. (...) Quizá la elección de fragmentos musicales fue demasiado aleatoria, quizá resultan demasiado perceptibles los distintos estilos de los diferentes animadores que intervinieron en el proyecto... pero, sea cual sea la razón, la película es una mezcla de lo más brillante y lo más banal (...) Fantasía sigue siendo un audaz experimento y un claro avance sobre las sinfonías tontas en el uso de la música, pero la inseguridad de Disney frente a la música clásica se refleja irremisiblemente en la película. Las presiones financieras obligaron a Disney a abandonar el sofisticado sistema sonoro (Fantasound) que había creado para esta película. Reducida de 126 a 82 minutos, la película se estrenó en los Estados Unidos como complemento de un "western". La prensa se dividió en sus opiniones acerca de la película, y el público se sintió desconcertado por ella. Los planes de lanzar una nueva versión con nuevas secuencias no llegaron a materializarse. Hubo que esperar a 1956 para ver la versión íntegra de Fantasía, que se convirtió en una película de repertorio y empezó a recuperar la inversión original de 2.280.000 dólares. El film fue un fracaso financiero en unos momentos en que Disney no podía permitírselo: La guerra en Europa estaba cerrando los mercados extranjeros y había afectado gravemente a Pinocho (...)
Fuente: Manuel García
El doblaje argentino de Ritmo y Melodía
En 1951, en Argentina se levantó la prohibición que pesaba sobre la importación de películas norteamericanas.
Por esa restricción no se había producido ningún estreno de Disney desde enero de 1949 (fecha en que se estrenó Bongo) hasta octubre de 1951 (fecha de estreno de Ritmo y Melodía); sólo hubieron reestrenos de las copias disponibles en el país ("Blanca Nieves y los siete enanos", "Pinocchio" y "Fantasía"); eso sí: en cines de primera línea. De todas maneras, el hecho es que a pesar de ya contar con un doblaje al castellano, en nuestro país Ritmo y melodía se estrenó con un doblaje argentino.En la misma aparecen Los Rancheros (conjunto musical), que ya habían actuado en el cine argentino. También Gustavo Cavero y Carlos Cotto, que fueron dos actores argentinos de extensa y reconocida trayectoria en el ámbito cinematográfico y radiofónico.
Fuente: Doblaje Disney.com
Akira
Akira es un manga en el que también se basa la película homónima de animación japonesa. Ambas obras tuvieron un reconocimiento instantáneo como clásicos dentro de sus respectivos géneros. El monumental manga, de más de dos mil páginas, fue escrito y dibujado por Katsuhiro Otomo entre 1982 y 1993 obteniendo un éxito significativo en Japón y en el resto del mundo.
En 1989 se estrenó la película animada -antes de finalizar el manga- que supuso un salto cualitativo en la animación japonesa al dotarse de un gran presupuesto gracias
al Comité Akira que se formó a propósito para producir el filme. La película fue dirigida también por Katsuhiro Otomo.Esta película marcó el inicio de la difusión del manga y el anime fuera de Japón, gracias al impacto que provocó en los espectadores de todo el mundo. Es considerada por muchos como la mejor película de animación japonesa, junto a las dirigidas por Hayao Miyazaki.
La trama: En el año 2019, el mundo está al borde de la destrucción absoluta. La tecnología avanzada fue la causa de una terrible explosión que desencadenó una guerra nuclear y devastó las grandes ciudades del planeta... Treinta años después, sobre las ruinas de Tokio, se alza la megalópolis de Neo Tokio, una ciudad opresiva e inhumana cargada de problemas como el paro, la violencia, la droga y el terrorismo. Las sectas religiosas y los grupos extremistas, aprovechándose de la insatisfacción de los ciudadanos, cultivan el mito de Akira, un niño depositario de la "energía absoluta" cuya resurrección significaría para Japón el amanecer de una nueva era...
La ciudad es reconstruida tras sufrir los devastadores efectos de la explosión, causante de la tercera guerra mundial. Kaneda y Tetsuo son miembros de una banda que tiene entre otras aficiones participar en peleas callejeras contra otras bandas montados sobre potentes motos. En una de estas peleas, Tetsuo sufre un accidente causado por un extraño niño. A partir de ese accidente, Tetsuo no vuelve a ser el mismo (...)
Fuente: Wikipedia
Hayao Miyazaki
Hayao Miyazaki es un director japonés de películas animadas. La figura más destacada dentro de un género muy amplio y variado: la animación japonesa, el anime. Es muy conocido en Japón y, en los últimos años, algo también en Occidente. Entre el conjunto de su obra (películas, series de TV, historietas gráficas -manga*) se destacan netamente las ocho películas que dirigió dentro del estudio Ghibli; el estudio lo fundó él mismo, en 1984, junto con Isao Takahata.
Takahata, ha sido la otra fuente creativa del estudio, y también dirigió obras importantes, (pre y post Ghibli), compartiendo con su antiguo amigo Miyazaki un concepto particular de la animación, que distingue a la obra del estudio Ghibli de otras productoras occidentales (Disney, por ejemplo), y también del resto del anime.
Miyazaki es muy apreciado por la mayoría de los críticos; "El viaje de Chihiro" (2001) ganó el Oscar a la mejor película animada y gente como John Lasseter (fundador de Pixar), Akira Kurosawa y muchos creativos de Disney y de la animación se cuentan entre sus admiradores. La revista Time lo puso recientemente entre los doce artistas asiáticos más notables de los últimos 60 años. Director de culto para algunos, sus películas han sido enormemente populares en Japón, y es una referencia en el ambiente del anime; si bien el grueso del consumo de series de TV apunta a otros rumbos, y no todos los otakus* lo prefieren (...)
Fuente: Ghibli - Hernán J. González Web
Reseña del Soundtrack de "La Sirenita" (BSO Spirit)
El estreno de la adaptación Disney (con todo lo que ello conlleva, tanto en lo bueno como en lo malo) del cuento de Hans Christian Andersen, "The Little Mermaid", debe considerarse como un punto de inflexión en la trayectoria de la compañía por varias razones. En primer lugar, supuso un relanzamiento de los estudios, casi en la ruina tras sonoros fracasos económicos como "The Black Cauldron" (...)
Otro factor importante fue el descubrimiento por parte de Disney del potencial del musical, de manos de dos grandes artistas como Alan Menken, para la música, y Howard Ashman, tristemente desaparecido, para las líricas. Lástima que los estudios del creador de Mickey Mouse estrujaran la fórmula hasta el hastío. El propio Menken abandonaría por cansancio sus responsabilidades musicales en la Disney tras su última colaboración, "The Hunchback of Notre Dame". El único punto positivo del fin de estas colaboraciones para los aficionados a las bandas sonoras sería la pérdida del monopolio de Menken y Disney en los Oscars musicales.
Aparte de que se mueve en un contexto principalmente acuático, la banda sonora para "The Little Mermaid" tiene esa frescura que supone el ser la primera de las colaboraciones entre el duo Menken/Ashman y la Disney. Las canciones son espléndidas y muy pegadizas, y el score, pese a que Menken no contara con una gran orquesta para su grabación, también resulta digno de destacar (..)
Algo que se lleva a su máximo extremo en la canción más conocida del disco, la sin par "Under the Sea", en la que a través de una espectacular y divertida coreografía submarina, el cangrejo Sebastián, con la voz de Samuel E. Wright, trata de quitar a Ariel sus ideas sobre nuevos mundos allende las olas. La puesta en escena es sencillamente genial, y la canción es de ésas que se te pegan por mucho que intentes evitarlo. No por nada fue galardonada con sendos Óscar y Globo de Oro a la Mejor Canción, así como también fue premiada la partitura como Mejor Banda Sonora, también con ambos galardones (...)
Fuente: BSO Spirit
"La animación vive una época dorada"
Entrevista con Carlos Saldanha, director de "La era de hielo" y "Robots"
Por Emanuel Respighi
Co-director de La era de hielo y Robots (ambas realizadas en compañía de Chris Wedge), y director de la aún en cartel segunda parte del
film animado protagonizado por la ardilla Scrat y su traviesa bellota, Carlos Saldanha es en la actualidad uno de los referentes en el mundo de la animación digitalizada. De paso por Buenos Aires, invitado como conferencista de las recientes jornadas Promax/BDA Latinoamérica 2006 -la organización que se encarga de difundir y premiar a los más destacados en el mundo del marketing y las promociones en medios electrónicos a nivel internacional-, el director de esos divertidos mundos virtuales acepta la propuesta de Página/12 y se anima a revelar los secretos mejor guardados de sus producciones, sin temor alguno a que los oportunistas de siempre tomen nota de su fórmula. "Es que más allá de las técnicas que se usen a la hora de hacer un film de animación, lo que siempre termina por definir si una película es buena o no es la historia y los personajes", explica en la entrevista, en un trabado pero comprensible portuñol.En la búsqueda por imprimir naturalidad a personajes animados, Saldanha cuenta que la clave en los films realizados por Blue Sky Studios (la productora que fue adquirida por Fox) recae en el particular proceso de trabajo que ellos implementan, y que los diferencia respecto de otras productoras. "El truco con respecto a la animación -divulga el brasileño- es grabar las voces de los personajes previamente a la animación. Nosotros siempre hacemos la animación en base a la emoción que disparan esas voces ya grabadas. No al revés. Creemos que ése es el mecanismo más fácil para transmitir de mejor forma las sensaciones de cada personaje, sin perder homogeneidad entre imagen y sonido."
En tal sentido, el director candidato al Oscar en 2004 por el cortometraje de animación Gone Nutty cuenta que el problema de algunas películas de animación es que el resultado final se desvía del concepto original e integrador que debe tener en mente cada creativo. Para evitar que un film se convierta sólo en la suma desordenada de algunas buenas ideas o gags, Saldanha revela que los creativos deben comprender el concepto global que el film persigue. "Incluso, nuestros animadores hacen ejercicios actorales en una habitación con espejos en las paredes para que entiendan mejor lo que se requiere de cada secuencia de la película. Recién después de actuar las escenas e interpretar a los personajes que en ellas participan, los creativos se sientan a crear en la computadora", aclara, quien a los 19 años dejó su Río de Janeiro natal para estudiar animación computarizada en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York.
"Se está viviendo una nueva época de oro de la animación. Cada vez hay más estudiantes, más escuelas para estudiar la técnica y más películas que requieren de criaturas animadas. Esto sumado a que los films de animación ya dejaron de ser un mercado pequeño y limitado a los niños. De hecho, las películas de animación son las que más fácilmente rompen las barreras culturales y etarias. El fenómeno de la animación computarizada es reciente, probablemente surgió a partir de Toy Story y el acuerdo entre Pixar y Disney. Y cuando en 1993 me fui a Estados Unidos a estudiar Arte computarizado, tuve la suerte de estar en el lugar exacto a la hora señalada"
-¿O sea que, en su opinión, el impulso que desde hace años ostenta la animación se explica en que el target dejó de ser exclusivamente infantil para cobijar a los adultos?
-Es una de las cosas que han favorecido al género, junto al avance de la tecnología. Toy story o Shrek, por ejemplo, son películas que logran alcanzar el equilibrio exacto entre fantasía infantil y humor adulto. De lo contrario, La era de hielo no hubiera quebrado todos los records de recaudación en el mundo. De hecho, hay muchas películas de animación en los que los chistes no son comprendidos por los niños, pero sin embargo la imagen y las voces les producen gracia. Ahí es donde tiene que aparecer la creatividad, para, a los chistes que pueden no ser comprendidos por los más pequeños, sumarles gags basados en la animación artística y la mímica de los personajes. Con La era de hielo, por ejemplo, tuvimos en mente al momento de crearla que era un film para todo público, desde niños a adultos. En cambio Robots fue concebida para atraer principalmente al público infantil. Igualmente, uno nunca sabe cómo el público va a recibir cada película (...)
-¿El avance tecnológico facilita o complejiza cada vez más la tarea del creativo?
-El mundo de la animación es un mercado muy dinámico, donde uno siempre está atrasado: es imposible estar actualizado porque siempre hay algo nuevo. Los avances tecnológicos le dan al artista herramientas cada vez más sofisticadas para expresar la creatividad. Pero hay algo que es claro: el artista es el que motiva cada uno de los cambios tecnológicos. No es al revés. En un momento, la tecnología te hacía ganar tiempo. Ahora, donde cada vez hay mayor pretensión de naturalidad, uno gana en sofisticación y naturalidad. Pero ya no se gana tiempo.
-¿O sea que la tendencia actual es tratar de acercarse a lo más parecido posible a la vida real?
-En cuanto a los movimientos de los personajes y el paisaje, sí. Pero creo que los films de animación nunca deben perder la fantasía, que es el valor agregado que permite el mundo virtual en el que trabajamos. Es por eso que yo soy partidario de la exageración como recurso. No sería lo mismo ver a Scrat, el personaje de La era de hielo, caer normalmente al piso que verlo golpear contra la tierra, ser aplastado por una roca y levantarse cual estampa. Esa es la definición de la animación: la expresión de la creatividad a través de un imposible.
Fuente: Cultura Página 12 - Miércoles 10 de mayo del 2006
Los temas que escuchamos:
(Fantasia) Leopold Stokowski - The Sorcerer's Apprentice [Dukas]
(Ritmo y melodía) Ralph Marterie Orchestra - Bumble Boogie
(La Sirenita) Alan Menken - Kiss the girl
(Akira) Yamashiro Shoji - Kaneda
(Princesa Mononoke) Joe Hisaishi - Mononoke Hime
(Princesa Mononoke) Joe Hisaishi - The Legend of Ashitaka
(Toy Story 2) Randy Newman - I Love To See You Smile
(Monster Inc) Randy Newman - Walk to Work
(Cars) Rascal Flatts - Life is A Highway
(Cars) Sheryl Crow - Real Gone
(Bob Esponja) Wilco - Just A Kid
(Surf's Up) Incubus - Drive
(Surf's Up) Pearl Jam - Big Wave
(Shrek 3) The Ramones - Do You Remember Rock 'N' Roll Radio?
(Shrek 3) Led Zeppelin - Immigrant Song
